Hibaku Jumoku: «Crescere significa trasformarsi senza perdere la propria identità»

Il nome Hibaku Jumoku richiama gli alberi sopravvissuti al bombardamento atomico di Hiroshima, diventati simbolo di resistenza e rigenerazione. Un’immagine che trova una corrispondenza naturale nella musica del trio veneto, dove la ricerca non è mai separata dalla possibilità di trasformarsi, attraversare territori diversi e continuare a crescere senza perdere la propria identità.

Formato da Paolo Inserra alla batteria, Antonio Gallucci al sax tenore e Francesco Bucci al basso tuba, il gruppo ha costruito un linguaggio strumentale in cui jazz, punk, rock, elettronica e sperimentazione convivono senza la necessità di trovare una sintesi rassicurante. La scelta di una formazione senza contrabbasso, con il basso tuba a occupare un ruolo centrale nell’equilibrio sonoro, contribuisce a definire un’identità in cui tensione, improvvisazione e impatto fisico diventano elementi fondamentali.

Uscito il 25 settembre per Record-Y, l’album d’esordio omonimo raccoglie questa ricerca in sette tracce che rifiutano confini troppo rigidi e invitano a un ascolto prima di tutto corporeo, istintivo, aperto all’imprevisto. Ma la libertà, per gli Hibaku Jumoku, non significa rinunciare a una direzione: significa continuare a interrogarsi sul proprio linguaggio, senza smettere di metterlo in discussione.

Abbiamo parlato con loro del significato del nome, dell’incontro tra strumenti e influenze apparentemente distanti, del rapporto tra musica e presente e della difficoltà, ma anche della necessità, di sottrarsi alle etichette. Perché resistere, in fondo, non vuol dire restare immobili: vuol dire trovare ogni volta un modo nuovo per continuare a crescere.

Il nome Hibaku Jumoku richiama gli alberi sopravvissuti alla bomba atomica di Hiroshima. Che cosa vi ha spinto a scegliere questa immagine e in che modo il suo significato si riflette nella vostra idea di musica?

Il nome Hibaku Jumoku ci ha colpito soprattutto per il significato di resilienza che porta con sé. Al di là del riferimento storico, che resta importante e merita rispetto, siamo stati attratti dall’immagine di qualcosa che sopravvive a un evento devastante e continua a crescere. Nel nostro piccolo, vediamo una connessione con il fare musica oggi, in un contesto molto saturo e pieno di contraddizioni. Non pensiamo che chi ascolta debba necessariamente conoscere l’origine del nome, ma ci piacerebbe che percepisse quell’idea di resistenza, trasformazione e vitalità che per noi rappresenta.

Sax tenore, basso tuba e batteria sono al centro di una formazione decisamente particolare. Come si è sviluppato l’incontro tra questi strumenti e quanto hanno contribuito a definire il vostro linguaggio musicale?

Più che una ricerca a tavolino di qualcosa che non esisteva ancora, è stato il risultato naturale dell’incontro tra le nostre esperienze musicali e delle caratteristiche degli strumenti coinvolti. Fin dall’inizio ci siamo resi conto che una formazione con sax, basso tuba e batteria generava equilibri particolari e apriva possibilità che valeva la pena esplorare. Jazz, punk, elettronica e sperimentazione sono entrati nel progetto in modo organico, perché fanno parte del nostro percorso e del nostro modo di ascoltare la musica.

Nella vostra musica convivono improvvisazione, tensione jazzistica ed energia vicina al punk e al rock. Quanto conta la dimensione fisica dell’ascolto e come lavorate per mantenere insieme ricerca e immediatezza?

Per noi la componente fisica dell’ascolto è molto importante. Ci interessa una musica che possa essere percepita prima ancora di essere analizzata, che abbia un impatto diretto sul corpo e sull’energia di chi ascolta. La tensione tra elementi più jazzistici, improvvisativi e altri più vicini al punk o al rock nasce proprio da questo desiderio: mantenere complessità e ricerca senza rinunciare all’immediatezza e alla forza comunicativa del suono.

La vostra è una musica strumentale che lascia molto spazio all’interpretazione. In un presente attraversato da conflitti e contraddizioni, pensate che anche il suono, senza un messaggio esplicito affidato alle parole, possa rappresentare una forma di presa di posizione?

Non pensiamo che la musica strumentale debba necessariamente proporre un messaggio esplicito per avere un valore nel presente. Creare spazi di ascolto, immaginazione, incontro e confronto può essere già una forma di risposta a un contesto complesso e instabile. Naturalmente ogni scelta artistica riflette anche una visione del mondo, ma preferiamo suggerire domande e possibilità piuttosto che fornire risposte univoche.

La vostra identità musicale sembra sottrarsi volutamente a una classificazione precisa. Quanto è difficile portare avanti un progetto che attraversa generi diversi senza trovare un’etichetta immediatamente riconoscibile?

Sicuramente non è sempre facile portare avanti una ricerca che non rientra facilmente in una categoria precisa. Però per noi sarebbe ancora più difficile rinunciare alla curiosità e alla libertà che stanno alla base del progetto. Non abbiamo un’esigenza particolare di essere definiti attraverso un’etichetta. Se qualcuno riesce a individuare riferimenti e influenze ci fa piacere, ma ci piace anche l’idea che ogni ascoltatore possa costruire una propria interpretazione della nostra musica.

Il vostro album d’esordio è il primo passo di un percorso che potrà evolversi in molte direzioni. Che cosa significa per voi crescere artisticamente senza perdere la propria identità e quali sfide vorreste affrontare con i prossimi lavori?

Sì, ci riconosciamo molto in questa idea. Crescere non significa tornare a una condizione precedente, ma trasformarsi continuamente mantenendo una propria identità. Dal punto di vista artistico è quello che cerchiamo di fare: continuare a evolvere il linguaggio del trio senza smettere di metterlo in discussione. Guardando al futuro, vorremmo riuscire ad alzare costantemente l’asticella, osare qualcosa di nuovo a ogni lavoro e mantenere viva quella curiosità che ha dato origine al progetto.

a cura di
Cristina Cerioni